Effektive Visuals

Tess Sullivan 5. Juni 2023 – 20:21 Uhr

Bei speziellen visuellen Effekten oder SFX handelt es sich um visuelle Tricks, die so aussehen, als ob sie in einem einzigen Live-Frame nicht sofort erreicht werden könnten. Ob die Tricks ihre Arbeit gut gemacht haben, wissen wir nichts darüber. Wussten Sie, dass beim Flug durch den Asteroidengürtel in „Empire Strikes Back“ viele der Asteroiden Kartoffeln waren, die vor einen blauen Bildschirm geworfen wurden, um das Budget niedrig zu halten? NEIN? Das habe ich nicht gedacht. SFX ist Filmmagie in ihrer magischsten Form, aber sie ist nicht über Nacht aus einer Rauchwolke verschwunden und dort angekommen, wo sie heute ist. Der Zaubertrank brauchte vom Tag seiner ersten Zutat an Zeit zum Brauen und Entwickeln …

1895, im selben Jahr, in dem das Kino geboren wurde, wurden auch die ersten visuellen Effekte in „Die Hinrichtung der schottischen Königin Maria“ eingeführt, als die Schauspielerin, die die an der Guillotine kniende Maria spielte, für das nächste Bild, in dem die Klinge „Marias“ nimmt, durch eine Puppe ersetzt wurde Kopf ab. Dies ist heute als „Stopp-Trick“ bekannt, war damals jedoch unbekannt – viele Zuschauer waren schockiert über die Entschlossenheit der Schauspielerin, für die Rolle den Kopf zu verlieren … ohne zu ahnen, dass es die Puppe war, die ein Glied hergab. Wie sich Dinge ändern und gleich bleiben – Historische Dramen sind noch lange nicht aus der Mode gekommen.

Es dauerte nicht lange, bis die frühen Filmemacher ihre Ziele hoch genug setzten, um den Himmel und darüber hinaus zu berühren. George Méliès, der seit langem als „Vater der Spezialeffekte“ bezeichnet wird, sorgte für einen krassengroßen Eindruck, als er Filme wie „Eine Reise zum Mond“ (1902) in die Kinos brachte. In seiner fantastischen Vision unserer Reise zu den Sternen nutzt er „Splitscreen, Mehrfachbelichtungen und mechanische Bühnentricks“, um jenseitige Illusionen des ersten Off-Planet-Abenteuers der Welt zu erzeugen. Méliès drehte „insgesamt etwa 4.000 Filme“, und seine filmischen Erfindungen bildeten die Grundlage für so viele zukünftige Effekte.

Im darauffolgenden Jahr brachte „The Great Train Robbery“ das Publikum und seine Ehrfurcht zurück auf die Erde, indem es die Geschichte in eine realistischere Umgebung versetzte und zum ersten Mal ein scrollendes Matte Painting verwendete. Es entstand die Illusion, dass der belagerte Zug entlang der Strecke raste, was den Einsatz für ein Abenteuer noch steigerte.

In DW Griffiths „Intolerance“ aus dem Jahr 1912 gesellten sich Glasschüsse und Miniaturen zum Werkzeuggürtel für visuelle Effekte, um die massiven Mauern Babylons noch gewaltiger erscheinen zu lassen. Diese Taktik sollte in den kommenden Jahren perfektioniert werden, mit Metropolis und Ben-Hur in den 20er Jahren. Zu dieser Zeit war das Publikum nicht nur von den beeindruckenden Bühnenbildern fasziniert, sondern auch von der kunstvollen Aufführungsarbeit.

In den 20er-Jahren wurden Make-up-Effekte bei der Charaktererstellung, insbesondere bei Kreaturen, mit dem wunderbar gespielten und verwandelten John Barrymore in „Dr. Jekyll und Mr. Hyde“ immer beliebter. Lon Chaney folgte diesem Beispiel und konnte mithilfe eines Make-up-Sets, das in die alltägliche Make-up-Tasche des Jahres 2023 passen würde, ikonische Kreaturenkostüme für Quasimodo und The Phantom herstellen. Durch Versuch-und-Irrtum-Anwendung und geeignete Lichtplatzierung schuf er komplexe Charaktere von außen nach innen und wieder nach außen.

Dann stürmte RKOs King Kong 1933 die Kinoleinwände (und verließ sie nie wieder). King Kong vereinte alle Tricks von Melies, Griffith und Lange mit Live-Action, Miniaturen, bemaltem Glas, Mechanik und Stop-Motion des brillanten Willis O'Brien. Ein halbes Jahrhundert später wird Stop-Motion auch heute noch mit unglaublicher Wirkung eingesetzt, beispielsweise in Guillermo del Toros „Pinocchio“, der Anfang des Jahres einen Oscar gewann.

In den 50er Jahren wurden viele historische Ereignisse mit Miniaturen nachgestellt, um die Öffentlichkeit aufzuklären. Die Schlacht von Manila zum Beispiel wurde mit Miniaturen auf einem kleinen Wasserbottich nachgebildet, wobei Mitglieder des Effektteams mit handgekurbelten Schneebesen ozeanische Wellen und Rauch für Explosionen erzeugten, indem sie einen Zug aus einer Tabakpfeife ausstoßen. Durch die Verwendung der Miniaturen für Actionfilme, Kriegsepen und Science-Fiction-Abenteuer könnten Studios ihr Budget für epische Explosionen um einen epischen Prozentsatz reduzieren.

Viel später und mit viel Geld, das buchstäblich verbrannt werden konnte, gelang es dem Spezialeffektteam von Demolition Man (1993), seine Feuerkanonen an der gesamten Fassade eines verlassenen Gebäudes des Ministeriums für Wasser und Energie in der Innenstadt von Los Angeles aufzustellen. Mit der perfekten Kombination von Treibstoffen zündete die Pyrotechnik-Truppe ihre kontrollierten Feuerbälle und sorgte dafür, dass sich der Rauch und die Flammen rechtzeitig auflösten, damit die zweite Crew den Sprengstoff freisetzen konnte, der das gesamte Gebäude zu Boden stürzen ließ. Es ist eine einmalige, vielleicht einmalige Aufnahme (mal 13 Kameras). Vorbei sind die Zeiten, in denen Steinschleuderkreide an einer Wand den Explosionseffekt auslöste.

Aber bevor wir zu weit gehen, kehren wir noch einmal zurück in die 60er Jahre. 1968 brachte 2001: Odyssee im Weltraum von Stanley Kubrick. Durch Rotoskopie und Bewegungssteuerung gepaart mit praktischen Effekten wie dem rotierenden Set konnten sie das Gefühl eines Weltraums ohne Schwerkraft erzeugen. „2001“ erweckte nicht nur das Gefühl des Weltraums, sondern löste auch ein Feuer im Herzen von George Lucas aus, dessen bevorstehende Trilogie ohne sie vielleicht nicht möglich gewesen wäre.

Lucas‘ Star Wars aus dem Jahr 1976 nutzte eine neue Filmtechnik, die John Dykstra am ILM entwickelt hatte und die es der Kamera und den Miniaturen ermöglichte, umeinander zu tanzen und den Eindruck von Bewegung durch den Raum zu erzeugen. Aufbauend auf ihren Erfindungen in „Empire Strikes Back“ stiegen sie auf „Compositing auf Hochschulniveau“ um. Für die Fortsetzung, in der Schiffe über eine helle, schneebedeckte Tundra eines Planeten fliegen mussten, mussten sie die schwarzen, matten Linien entfernen, die im Originalfilm zu sehen waren. Durch die Verwendung eines optischen Druckers (eine Entwicklung aus dem Zweiten Weltkrieg, die modernisiert werden musste) konnten sie ihn auf dieses Problem spezialisieren. Die Kameras (vier gestapelt) nehmen mehrere Filmstücke und verschiedene Mattenfragmente auf, um dann die Hintergrund- und Vordergrundbilder Bild für Bild zu komprimieren.

Erinnern Sie sich an die Aufnahme des Millennium Falcon, der in die Ferne raste? Das Effektteam konnte die Kamera nicht weit genug vom Modell entfernen, also machte Richard Edlund, der Leiter der visuellen Effekte, ein Polaroidfoto des Modells, druckte es aus, befestigte es an einem Stück Glas und zog die Kamera wieder darauf Bild. Nachdem er durch den „Star Wars-Drucker“ gelaufen war, erhielt dieser zweisekündige Cheat-Shot des Millennium Falcon einen Applaus vom Kinopublikum.

Einen Applaus verdient auch The Abyss (1989) und für diesen Artikel eine besondere Anspielung auf das Tiefseegeschöpf, das er geschaffen hat. Da das Tier sich bewegen und verwandeln soll, während es vollständig aus Meerwasser besteht, konnte es nicht anders als durch CGI hergestellt werden. James Cameron nutzte die damalige CGI-Technologie auf die Spitze und erreichte so, dass „The Abyss“ der erste Film war, der einen Oscar für ein computergeneriertes Bild gewann.

Zur Zeit von Jurassic Park (1993) hatten viele Studios damit begonnen, ihre visuellen Effekte an unabhängige Studios für visuelle Effekte auszulagern. Diese Indie-Effektstudios waren seit den Tagen von Méliès enorm gewachsen und führen nun unter einem Dach ein; „Kunstabteilung, Produktionsbüro, Drehbühne, Modellbau, Matte-Painting-Abteilung, Filmverarbeitung, Animation, Optik, Redaktion, Projektion, Technik (elektronisch und mechanisch).“ – (Richard Edlund, Boss Film Corporation). Diese Effekthäuser haben jahrzehntelang maßgeblich dazu beigetragen, die erfolgreichsten Kinofilme zu produzieren.

Jeder der neuesten Blockbuster-Filme baut auf den Grundbausteinen von King Kong und Star Wars auf, um die Wolkenkratzer von VFX heute zu errichten. Im Jahr 2001 wurde der erste „Herr der Ringe“ veröffentlicht, der die unglaubliche Motion-Capture-Arbeit von Andy Serkis präsentierte. Später sollte Serkis‘ Kurzauftritt in „King Kong“ Berichten zufolge für James Cameron das auslösende Zeichen dafür sein, dass die Technologie für die Produktion von „Avatar“ bereit war. Cameron nutzte den FX-Giganten Weta hinter den King-Kong-VFX (sehen Sie sich an, wie King Kong seit 1933 Bewegungen im Effektspiel macht!), ebenso wie der jüngste Blockbuster „Guardians of the Galaxy: Vol. 3.

Mit diesen kreativen visuellen Bemühungen sind wir so weit gekommen, dass wir eine Welt voller riesiger blauer Menschen in 3D erschaffen können, die mit menschlichen Gegenstücken und außerirdischen Meeresbewohnern unter Wasser interagieren. Wir haben eine Welt aus Menschen, Humanoiden, sprechenden Hunden, Waschbären und Bäumen sowie verschiedenen anderen Außerirdischen und einem Ansturm von 500 Tieren, die alle von einem brennenden Mega-Raumschiff zu einem anderen, nicht brennenden Mega-Raumschiff in den Tiefen einer anderen Galaxie springen , und sie sehen alle irgendwie echt aus.

Wie sieht der weitere Weg für visuelle und Spezialeffekte aus, nachdem wir so weit gekommen sind? Wenn die Fahrt seit der Hinrichtung von Mary Queen of Scots nur 125 Jahre gedauert hat und die Technologie jedes Jahr schneller voranschreitet … nun, wo wir hingehen, werden wir wahrscheinlich keine Straßen brauchen.